La película está bien, es interesante, Huston era un tipo increíble y con cualquier historieta te hacía una película como muy poco, bastante atractiva e incluso hizo obras maestras siguiendo pautas puramente intuitivas tras aceptar un encargo desesperado porque como casi siempre, andaba falto de dinero o ávido de correrse una aventura diferente.

Pero esta vez, el periplo decadente de sus protagonistas cuenta una historia oculta que conmueve más que la película:

Marilyn Monroe (1926-1962) vivía una de sus peores crisis. Por entonces ya poseía una belleza crepuscular que la hacía mucho más atractiva sexualmente que antes, además de contar con un talento actoral ya muy destacado, pero vivía dando tumbos emocionales que la persiguieron toda la vida y en esta época de su comienzo de madurez física, mucho más. Estaba casada con el dramaturgo de fama internacional Arthur Miller (1915-2005), bastantes años mayor que ella. Era el guionista de esta película. Había problemas con el guión y, sobre todo, con Marilyn, de manera que John Huston le pidió que asistiera al rodaje y supervisara y corrigiera. Pasaban noches muy duras de reescritura y atención psicológica de Marilyn, quien moriría un año después por exceso de barbitúricos.

Clark Gable era el buen padrazo protector, pero a sus 59 estaba muy cascado. La muerte de su adorada primera esposa, Carole Lombard, le marcó los últimos veinte años de vida. Era una relación muy apasionada que sólo duró desde 1939 a 1942, año en que ella murió en un accidente de avión. Gable se casó dos o tres veces después y murió del corazón antes de que esta película se estrenara.

Montgomery Clift sí haría tres películas más, y de las buenas, pero moriría en 1966 con 46 años, tras un complicad cocktail de alcohol y drogas. Siempre se dijo que era alguien de muy buen corazón, atormentado por su tendencia homosexual; fue un protegido de Elizabeth Taylor quien a menudo le sacó de apuros de todo tipo.

Esta es la despedida de tres actores de muy diferente estilo que tras el drama de solitarios del argumento padecían dramas personales muy profundos y tortuoso que acabaron a temprana edad con su vida.

Por todo esto Vidas rebeldes es mucho más que una película: un testamento muy peculiar en el que cada vez que la veo me parece que estas tres personas entrañables que me hicieron pasar tan buenos momentos a lo largo de mi vida, vuelve para hablarme a mí, su querido espectador e intentan decirme algo más, en secreto, algo inconfesable, algo poderosamente interesante que se llevaron a la tumba.

1. Sorprendente nivel de interés en todas las temporadas con gran galería de personajes interpretados por excelentes actores en todos los papeles, por breves que resulten.

2. Sorprendente panorámica del mundo pobre, difícil, violento, corrupto y justiciero de una comisaría entre bandas latinas: no hay maniqueísmo, todos tienen sus debilidades, sus luces y sombras, pero hay unos protagonistas de primera.

3. Las humanas pasiones en una realización trepidante capaz de desarrollar mucho material interesante sociológica y psicológicamente en los 45 minutos que dura cada capítulo.

4. La violencia más dura como cierta dosis de erotismo, en ambos casos con bien resuelto aire documental, fortalece la técnica de esta serie que consiste en poner al espectador como un auténtico mirón altamente conmovido, como un observador altamente estimulado intelectualmente, pues en ambos casos se logra inmejorable calidad: mucha acción y muy interesantes planteamientos.

5. El reparto tiene una gran calidad que en las temporadas 4 y 5 se consolida notablemente, pues todos han de actuar bajo el protagonismo sensacional de Glen Close y Forrest Whitaker, respectivamente, ambos en creaciones insólitas dentro de su rica carrera. Una maravilla de interpretaciones en dos temporadas que dan notable subidón.

6. En la sexta nada afloja, todo va a más, bien cargado de tensión y sorpresas de renovado vigor.

7. Cuando todo parece que va a resquebrajarse, el equipo de guionistas con un Michael Chiklis admirable a la cabeza, productor y protagonista, encuentra nuevos senderos, magníficas posibilidades que explota con alta calidad.

8. Esta fusión de calidades tiene especial mérito si se tiene en cuenta que hay una estructura base argumental fija desde el comienzo y un ambiente cerrado, limitado, en la comisaría donde transcurren la mayoría de las secuencias. Por eso el talento de este equipo adquiere un sobresaliente, porque demuestra, como en el gran teatro y en el gran cine que lo importante son los personajes y las situaciones y con eso y cuatro céntimos llegas a cualquier parte.

9. La espiral excitante y cuasi terrorífica de la sexta temporada tiene un final a la medida del más exigente.

10. Engancha, sí, por medios auténticamente artesanos y de brillante factura argumental. Engancha, y como sus capítulos van tan a tope, son tan trepidantes, pues cuando acabas puedes empezar de nuevo sin temor a aburrirte.

La obra en que se basa es de 1934. Hoy, en una sociedad occidental y cristiana mucho más abierta, aún pervive el conflicto, y ni te cuento en sociedades más cerradas.

Sin mencionar exactamente de qué va ese conflicto, sí digo que el problema de estas dos mujeres sucedió de alguna forma en la vida de la autora, no con esta carga porque ella vivía en otro ambiente, pero sí alrededor de su ferviente amor por su mejor amiga, algo que reaparecerá en el cine años después en Julia, donde Vanessa Redgrave y Jane Fonda representan a Lillian Hellman y su mejor amiga en una arriesgada aventura bajo dominio del nazismo, aventura por cierto autobiográfica.

De algún modo una y otra película se unen. Es muy interesante verlas juntas o cercanas. Son estupendas las dos aunque La Calumnia es una obra maestra absoluta, especialmente enriquecida con las interpretaciones llenas de matices de Audrey y Shirley, actrices y mujeres ejemplares, llenas de vigorosa inteligencia.

Lo más importante de su argumento es hasta qué punto una calumnia puede destrozar una vida. Tanto si es un asunto sexual, político, social o económico, la tremenda dificultad de desandar ese camino en el que tantos te han señalado con el convencimiento de tu culpabilidad, hasta llegar a hacértelo creer y convertirte en tu propio enemigo.

Hoy en día, bastantes medios de comunicación viven, prácticamente, de calumniar, de vapulear la vida íntima de gente influyente. Si años después de la pública infamia pierden las querellas, no les importa, pagan la multa y repiten la historia con otra víctima. El dolor inmenso de estas personas no llega a conocerse nunca: pertenece a una intimidad que nunca debería haberse violentado.

Dicen los que saben que en el rodaje a Peter O´Toole se le podía hablar lo justo, tan compenetrado estaba en este papel cuya caracterización no tenía antecedentes en el cine: un militar que ejerce el abuso de poder con dosis altísima de singular psicopatía, cuyas características no voy a desvelar. A su lado, admirable Omar Sharif. Ya habían trabajado juntos en la excepcional Lawrence de Arabia, pero si en aquella obra maestra conformaban una pareja muy especial, al fin y al cabo y a pesar de sus conflictos culturales, aliados en los peores momentos, aquí funcionan a la maravilla como antípodas: Peter como terrorífico criminal y Omar como impecable justiciero que desde que empieza al film se sabe no podrá cumplir sus objetivos.

Anatole Litvak consigue mantener el clima de suspense en un intrincada historia, y el morbo de sus dominantes personajes con un reparto formidable. Además de los mencionados, destacan notablemente Tom Courtenay, Joanna Pettet, Donald Pleasance, ese secundario siempre notable y, brevemente, el también estupendo Plummer.

Pero hay que volver a verla para degustar los múltiples detalles de interpretación de Peter O´Toole: impresionante desde su primera a última interpretación. Extraordinaria composición de un tipo de psicópata sumamente elaborado.

Duro porque se basa en la manipulación de las emociones del "mejor amigo del hombre" y en ello se involucra a un encantador anciano al que le parece muy natural y muy lógico inducir al más feroz racismo a perro y nieto.

Bello por la forma en que se trata y por el equipo que conforman los luchadores a favor de recuperar la justicia también natural de estos animales y la personalidad de los mismos.

Duro y bello alegato por Samy Fuller, un tipo muy curioso, siempre al margen de la industria del espectáculo, realizador de un cine directo al corazón y a la mandíbula... con suerte desigual, muchas dificultades de producción, pero incapaz de venirse abajo. Hasta muy mayor, Fuller se las ingeniaba, a través, entre otras cosas, de su sinpar verborrea por convencer a algún productor y trabajar, casi siempre, con actores desconocidos a quienes les regalaba espléndidos personajes. En esta oportunidad, el actor negro Paul Winfield ya tenía una buena carrera y Burl Ives ya era el veterano que todo director querría tener en su equipo. Mención aparte para los entrenadores del bellísimo perro que pasa por importantes secuencias: verdadera primera figura de la película.

Como siempre en este bravío Samuel Fuller de eterno puro en la boca, entra a saco en un tema inédito, nunca tratado en el cine, ni antes ni después. Emocionante.