Utilisateur:Vatekor/Goya/2
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Assaut de la voiture est une photo de Francisco de Goya. Il montre comment un groupe de voleurs agressé un caravane : à gauche un homme en pointant son arme à un autre, le mensonge et le mensonge apparemment mort. Au centre, le reste de la faction prive les voyageurs.
Il a été peint pour la cinquième reconstitution d' El Capricho de l' ducs d'Osuna. María Josefa Pimentel, duchesse, était une des femmes instruites et actives dans les milieux éclairés habitants. Pour la décoration de la ferme, ils ont demandé une série de peintures de Goya aux coutumes similaires à celles des modèles de tapisseries des caractéristiques Sites royaux. Les photos ont été donnés à la famille de Osuna en 1787.
Analyse
[modifier | modifier le code]Les différences entre ces modèles et les dessins animés pour la Fabrique Royale de Tapisserie de Santa Barbara sont importants. La proportion des chiffres est plus petit, ce qui met en évidence le caractère théâtral et rococo paysage. Présentation de scènes de violence ou de malheur est apprécié.
Mais la disposition des personnages, la composition et le chromatisme, atténuer la violence de celui-ci. Dominez les gâteaux, les couleurs bleues et vertes du paysage rococo, qui contraste ironiquement avec la gravité de l'incident sanglant, qui de toute façon est marginalisé par le corps étant dans le coin inférieur gauche, tandis que la scène principale est consacrée à montrer au groupe inspecter les voleurs de butin. En outre, les chiffres n'occupent que le tiers inférieur de l'image, en consacrant les deux tiers restants à ladite limpide Cloudscape paysage et la végétation luxuriante, presque locus amoenus.
Quelques années plus tard Goya essayer le même sujet, sous la forme de variation sur elle, avec les voleurs Assault (1793 / 4).
Contexte
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Asalto al coche » (voir la liste des auteurs).
Sources
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[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
L'Assomption de la Vierge et de saint Ignace est une peinture sur la porte en bois de 230 par 70 cm d'une armoire de reliques de la Chambre Chapitre Église de San Juan el Real de Calatayud attribué à Francisco de Goya.
La peinture dépeint un paysage s'élevant céleste et surnaturelle à deux chiffres, la Vierge Marie et Iñigo Abbé, saint mozarabe est mort en 1068 Calatayud modèle.
A l'occasion de la restauration de la décoration picturale penderie salle capitulaire de Saint-Jean (aujourd'hui transformée en un espace de musée), a été soulevée dans Mars 1999 écrit par Goya, soutenu par le restaurateur Patxi Roldán et Rogelio Buendia, professeur de l' Université de Barcelone et professeur émérite de l'Université de Madrid.
Patxi Roldán a été proposé que Goya a peint l'Assomption de la Vierge et de saint Ignace en 1760 et Rogelio Buendia a dit que les tables sont étroitement liées à l'armoire peinte dans sa ville natale Fuendetodos en 1762, a disparu dans la guerre civile, qui sont connus pour les photographies.[1] Cependant, Manuela Mena, conservateur en chef de la peinture de Goya Prado rejette l'allocation en raison de la rudesse du travail.
Contexte
[modifier | modifier le code]Analyse
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Ascensión de la Virgen y San Íñigo » (voir la liste des auteurs).
- Photo de la décoration picturale de la portes de l'armoire reliquaire Eglise Fuendetodos, peint par Goya. Portail InfoGoya, Université de Saragosse.
Sources
[modifier | modifier le code]- «¿Pinturas del joven Goya?», Clarín, 22 de mayo de 1999.
- «Identifican en Calatayud las primeras pintura de Goya que se conservan» [sic], El Mundo, 21 de mayo de 1999.
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Óleo sobre muro trasladado a lienzo |
| Dimensions (H × L) |
123 × 266 cm |
| Localisation |
Atropos, ou les sorts Destin est l'une des peintures noires qui faisaient partie de la décoration des murs de la maison, appelé Quinta del Sordo - que Francisco de Goya a acquis en 1819. Ce travail probablement occupé la paroi gauche de l'étage supérieur accessible que la plante, avec Duel à coups de gourdin.[1]
La peinture, avec le reste des peintures noires, a été transféré de plâtre à la toile, de 1874, par Salvador Martinez Cubells, commandée par le baron Emile d'Erlanger,[2] un banquier français, d'origine allemande, qui il avait l'intention de les vendre dans le Exposition universelle de Paris en 1878. Cependant, le travail n'a pas attiré les acheteurs et il a fait don en 1881, le Museo del Prado, où il a exposé.
Analyse
[modifier | modifier le code]Il s'agit d'un examen de la Fates mythologique du Fates, dirigé par Atropos, déesse de l'inexorable, portant des ciseaux pour couper le fil; Clotho avec sa quenouille (qui Goya remplacé par une poupée ou nouveau-né probablement allégorie de la vie), et Lachesis, la fileuse, qui dans cette représentation regarde à travers une lentille ou un miroir symbolisant le temps, il mesurait la longueur du brin. A trois figures féminines air quatrième fois de suite et ajoute avec ses mains menottées derrière le dos, peut-être que pourrait être un homme. Si cette interprétation est vrai, les destins seraient décider du sort de l'homme dont les mains liées ne peuvent pas résister à leur sort.
Comme avec toutes les peintures noires, la gamme de couleurs est beaucoup plus réduite, mais dans cette peinture en particulier bruns et des noirs. Tout cela renforce la nuit et atmosphère irréelle (comme il sied dans le monde du mythe) de ce travail. L'image est un exposant des fonctionnalités que le XXe siècle a vu en tant que précurseurs de l'expressionnisme peinture.
Contexte
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Átropos o Las Parcas » (voir la liste des auteurs).
- vues virtuelles de l'emplacement d'origine. [1], [2]
- Cf. Bozal (2005), vol. 2, p. 247:
Salvador Martinez Cubells (1842 - 1914), le restaurateur du Prado et académique de l'Académie royale des Beaux-Arts de San Fernando, transférés à la peinture sur toile personnalisée à l'époque, 1873, était le propriétaire de la cinquième, Baron Frédéric Emile d'Erlanger (1832-1911). Martinez Cubells ne ce travail assisté par son frères Henry et François (...)
Bozal, Francisco Goya, la vie et le travail, (2 vol.) Madrid, Tf. Publishers, 2005, vol. 2, p. 247, (ISBN 84-96209-39-3).
Sources
[modifier | modifier le code]- (es) Fiche sur InfoGoya.
[[Catégorie:Mythologie grecque dans la peinture]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Óleo sobre tabla |
| Dimensions (H × L) |
46 × 73 cm |
| Localisation |
Auto-da-fé de l'Inquisition (également appelée Cour de l'Inquisition) est une huile sur toile peinte petit format Francisco de Goya entre 1812 et 1819 et représentant une foi automatique, ou l'acte d'accusation pour crimes contre l' religion catholique, le tribunal l' Inquisition espagnole maintenu à l'intérieur d'une église. Plusieurs détenus encorozados attitude de soumission et sont soumis à un procédé en présence d'un grand public. Le travail a appartenu à Manuel Garcia de la Prada et est actuellement dans la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando à Madrid.
Analyse de l'image
[modifier | modifier le code]La peinture fait partie d'une série qui comprend Corrida, Crazy House et procession des pénitents. Il s'agit d'un groupe qui représente certains des pires aspects de la réalité espagnole du début du XIXe siècle. Ils reflètent en douane des illustrations et idées libérales (qui à cette époque a été attribué Goya) cherché à réformer, mais ont été opposés par la politique absolutiste de Ferdinand VII.
L'une des caractéristiques déterminantes de cette série est la présence de la cruauté, parce que l'accusé peut se retrouver condamné à mort par le feu, comme on pourrait indiquer symboliquement les flammes peintes sur leurs corozas.
Tous les personnages au premier plan apparaissent individualisé, bien caractérisé dans l'exercice de leur rôle, alors que le fond est occupé par une masse anonyme entourée d'architecture gothique et une atmosphère claustrophobe.
Quant à la composition, Goya divise le tableau en deux zones contrastées de lumière. D'un côté de l'accusé et les inquisiteurs, qui se trouvent au premier plan. Dans l'obscurité, l'arrière-plan, la foule assistant l'auto-da-fé est floue, ce présenté comme un rapport.
Emilio La Parra et Maria Angeles Casado et décrire le tableau:[1]
Goya a présenté la scène d'une chouette hulotte. Les condamnés à mort, identifié par la couronne avec des flammes jusqu'à palier, entendre le jugement, lu par un moine d'un podium ou chaire. L'architecture de la salle évoque un bâtiment des siècles précédents, peut-être accueillir un tribunal inquisitorial. Le grand espace est occupé par des moines de divers ordres (vous l'aurez deviné en particulier habitudes Franciscains et Dominicains et par un grand groupe de personnes de votre sexe et le statut social n'est pas connu, mais un groupe de femmes portant la mantille placé dans une boîte. Downtown, une robe noire inquisiteur ornée d'une croix, attire condamnés sans regarder, ce qui implique leur profonde mépris pour eux.
Contexte
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Auto de fe de la Inquisición (Goya) » (voir la liste des auteurs).
- La Parra López, Emilio; Casado, Maria Angeles (2013). p 149.
Sources
[modifier | modifier le code]- (es) Fiche sur www.artehistoria.jcyl.es.
- Ficha de la obra en «InfoGoya», página de la Universidad de Zaragoza y la Institución «Fernando el Católico» - Consejo Superior de Investigaciones Científicas, 1996.
[[Catégorie:Inquisiteur espagnol]] [[Catégorie:Peinture religieuse]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Óleo sobre lienzo a partir de un fresco |
| Dimensions (H × L) |
46 × 35 cm |
| Localisation |
Cette Autoportrait, peint par Francisco de Goya en 1815, à soixante-neuf ans, était l'une des dernières peintures à l'huile qui reflétaient à son image. Il s'agit d'un travail de petite taille (46 x 33 cm) qui se caractérise par nous donner une image proche, tous les jours, peintre intime dans sa vieillesse. Ils suivaient une restauration de 1993 signé et daté inscrit sur la gauche, peut-être avec l'histoire d'un pinceau.
C'est probablement une image qui a été trouvé dans la Quinta del Sordo, tel qu'il apparaît dans l'inventaire Antonio Brugada réalisée à la mort de l'artiste aragonais Peintures noires en 1828. En 1866, la peinture a été acquis auprès de son propriétaire de l'époque, Roman de la Huerta, à la Museo de la Trinité, en passant 1872 au Museo del Prado, après la dissolution de l'ancien.
Il a été peint dans le contexte historique de la restauration absolutiste, années difficiles dans lesquelles il a poursuivi libéral et il a illustré francophile, et où Goya a quitté la vie sociale et représentant acogiénsose leur entourage et s'appuyant sur ses meilleurs amis. Ne tardera pas à acquérir, de mener une sorte de retraite en milieu rural presque sur les rives du Manzanares, une maison ou un cinquième, appelé les sourds, où il réalisa ses célèbres peintures noires, avec cet autoportrait qui partage des éléments de style.
Analyse du travail
[modifier | modifier le code]Basé sur un espace indéfini et fond sombre (la façon dont Velazquez), regard vague et inachevée, et seulement un peu moins que le manteau brun-rougeâtre, cou pulquérrimo une chemise ouverte au cabinet du cou est mis en surbrillance et course effective. La base, fait avec de l'ocre, donne l'image d'une couleur chaude qui complète parfaitement la peau rose délicat de son visage, peint avec beaucoup plus de pâtes et l'amélioration de la lumière émise par la face. Le tout semble bien, esprit convivial de placidité, ce qui correspond à un artiste expérimenté, déjà dans la vieillesse. Le peintre semble franchement le spectateur de l'œuvre, qui semble être contestée.
Autoportrait 1815 est une image résolument moderne, où l'attention, la lumière est concentrée sur le visage, éliminer tout détail superflu. Le fonds en dépit de sa première comparution flou, forme un espace aérien similaire Velazquez a utilisé pour ses personnages émergent, la création d'un espace sans objet.
A, illusion romantique orageux dans cet espace neutre est évoqué, comme la tête de Orlando et les cheveux ébouriffés génie. Analogies peuvent être faites avec les deux figures cauchemardesques découlant de leur série numéro 43 figure gravée Los Caprichos, le célèbre " Le sommeil de la raison produit des monstres "(surtout dans ses dessins préparatoires), ou auto-portrait l'encre de Chine et gouache de 1800, la barbe et les favoris qui viennent avec un bob de révolte.
Le palier de sécurité et regard fixe qui caractérise la plupart des autoportraits Goya, est atenúnan dans ce travail fin avec un geste de tendresse, calme réflexion intérieure et même aspect vulnérable de l'humanité. Pas plus les appareils habituels: partie d'une toile, regardent un modèle possible, tenue élégante ou voulez montrer votre personnalité et capacité en tant qu'artiste, et peut-être, comme un intellectuel. C'est juste un homme, à la fin de sa vie, et est représenté tel qu'il est, comme tout autre genre.
Contexte
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Autorretrato de Goya de 1815 (Museo del Prado) » (voir la liste des auteurs).
Sources
[modifier | modifier le code][[Catégorie:Autoportrait]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
42 × 28 cm |
| Localisation |
Autoportrait dans l'atelier (1790 - 1795) est un petit format de boîte Francisco de Goya (42 x 28 cm) de soi-disant «cabinet», ne semble pas répondre à toute demande, où le peintre dépeint Longueur rétro-éclairé dans son atelier peignant une grande toile. Cette image est très probablement auto-portrait propre en jeu, dans lequel Goya représenté de profil et en regardant spectateur.
Analyse
[modifier | modifier le code]Goya nous montre dans ce tableau comme un artiste qui nous regarde confiant, en regardant spectateur et montrant leur activité avec une tenue vestimentaire très moderne pour la journée. Robe tissus anglais, rayures horizontales pantalon et tunique courte avec broderie. Le chapeau flamboyant est parce qu'elle est faite avec un cadre à placer des bougies, pour Goya aimait à terminer ses tableaux à la lumière artificielle.
La lumière brille plein dans une grande fenêtre à l'arrière, qui qualifie la qualité du corps de la figure de l'éclairage. Entre la fenêtre et il peut voir une table ronde sur laquelle est Papeterie et papier, ce qui pourrait indiquer le désir de paraître caractérisé comme intellectuelle.
Le chiffre est dans l'ombre, ce qui provoque une étude intéressante sur les nuances de la couleur dans vos vêtements et le visage, un motif commun dans le peintre aragonais, je pouvais déjà voir sur le visage de la dame à la française de Le Parasol (1777).
Quant à l'art, Goya possède une vitesse de base de l'exécution des taches caractère impressionniste peinture chargé sans préciser les détails, comme il sied à une boîte peinte sur sa propre initiative.
Contexte
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Autorretrato en el taller (Goya) » (voir la liste des auteurs).
Sources
[modifier | modifier le code]- (es) Fiche sur InfoGoya.
- (es) Fiche sur www.artehistoria.jcyl.es.
[[Catégorie:Autoportrait]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
272 × 295 cm |
| Localisation |
Danse de San Antonio de la Florida ou danser sur les rives du Manzanares est un conseil pour la peau peinte par Francisco de Goya pour la salle à manger du prince des Asturies dans Pardo. La demande a été faite à Goya en 1776 et livré l'année suivante. Il a recueilli 8000 $ pour la partie. Il est entré dans la collection du Musée du Prado en 1870 et reste dans la galerie à ce jour.
Analyse
[modifier | modifier le code]Dans ce travail, vous pouvez encore voir l'empreinte de Mengs et de Bayeu, toujours surveiller les jeunes cartons de Goya. L'Aragonais décrit l'image comme "la danse de deux et deux pilons majos».[1][2] Dans un second musiciens terme, un militaire et un pilon est observée. Dans le fond, l'église à peine visible métiers San Francisco el Grande. Présente une grande lumière et coloré, tout en étant sous la forte surveillance de Mengs. Le domaine de la banque où se déroule l'action est où ans plus tard Goya l'achat de votre Quinta del Sordo.
Le fait que la composition forme un cercle ouvert laisse deviner que l'artiste veut le spectateur à entrer dans la danse.[3] Les hommes portent des robes et des femmes courtisans pilons. Ceci répond à l'intérêt quasi obsessionnel Goya en mélangeant les classes sociales, il était difficile à réaliser dans la réalité, mais il a réussi avec une maîtrise étonnante dans ses compositions. L'utilisation de couleurs vives à penser que c'est une pièce ludique, comme beaucoup tapisserie. Un homme joue de la musique en arrière-plan et de repos, tandis que l'une des danseuses reflète l'intérêt de Goya à saisir l'importance du sujet plutôt que d'un visage expressif.[4]
Goya a donné la composition, mise en service en Octobre 1776, 3 Mars 1777. Les dames portaient manolas pour les parties appartenaient souvent à l'aristocratie, qui a repoussé les thèmes mythologiques par divertissement Pays. C'est une scène vivante et on peut dire que les danseurs se déplacent, en essayant d'échapper à la toile. Les coups de pinceau sont lâches et l'effet de la lumière montre de beaux paysages ci-dessous.
Contexte
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « El baile de San Antonio de la Florida » (voir la liste des auteurs).
- danse folklorique, le fandango moins déplacé.
- Triado Tur, p. 18.
- Cirlot, p. 46.
- Cirlot, p. 47.
Sources
[modifier | modifier le code][[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
30 × 43 cm |
| Localisation |
Le rocker est le titre d'un carton de tapisserie de Francisco de Goya, conçu pour la chambre à coucher du prince des Asturies dans le palais Pardo. Il a fait partie de la quatrième série entreprise par les Aragonais.
Jusqu'au 19 Janvier, 1870 ont été conservés dans l'une des caves de la Palais Royal de Madrid, mais à ce moment-là qu'ils ont été volés.[1][2] Le savant Gregorio croisade Villaamil découvert plus tard la plupart du plomb, qui gonflait la collection permanente du Museo del Prado. Mais Le rocker est actuellement en détention Musée des Beaux-Arts de Valence.
Analyse
[modifier | modifier le code]Deux enfants jouent balançoire à côté de la porte d'un mur, de plus en plus engagés dans leurs jeux et la difficulté à monter la balançoire.
De nombreux auteurs considèrent attribution douteuse à tous tapisserie, puisque dans ces années Goya a peint une série de cinq peintures des questions relatives aux enfants, dont [/wiki/Archivo:La_letra_con_sangre_entra.jpg la tige et gâter], maintenant dans le musée de Saragosse. Le tableau en question a beaucoup de détails à bascule similaires.[3]
Cependant, Janis Tomlinson note que le fait qu'il était à l'abri dans un sous-sol du Palais Royal avec la plupart des cartes est un signe certain qui appartenait à la quatrième série de Goya.
Pourquoi Goya a peint la série précitée de cinq tableaux, il avait déjà terminé son premier passage en tant que peintre était cartons gratuits et est absolument inconnue. Ils peuvent très bien être un certain nombre de tables libres et intimes aragonais concocté pour se débarrasser de ses nombreuses occupations.
Les scènes de l'enfance ont été, pendant longtemps, ont préféré le jeune Goya. Comme déjà dit, il pourrait les exécuter comme des points pour les travaux futurs.
Contexte
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « El balancín » (voir la liste des auteurs).
- Tomlinson, p. 33.
- Gaceta de Madrid, le 19 Janvier 1870.
- Triado Tur, p. 29.
Sources
[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
107 × 151 cm |
| Localisation |
Le buveur, aussi appelé l'homme de boire un carton pour la peau de la seconde série, exécuté entre 1776 à 1777 pour la salle à manger du prince des Asturies dans Pardo. Selon Glendinning, utilise la composition en une pyramide.
En 1870, il s'installe à la collection permanente du Museo del Prado, où il demeure aujourd'hui et est exposée dans la salle 85.
Analyse
[modifier | modifier le code]Il a été remis à la Fabrique Royale de Tapisserie de Santa Barbara le 12 Août, 1777 par La querelle de la nouvelle information et Maja et feutrée. Il a été libéré comme sobreventana en raison de son format et la perspective top-down du travail.
Il est susceptible d'être l'une de ses parties les plus populistes. Un bon verre de boot 'Catalan', comme décrit Goya lui-même, et son compagnon mange un ciboulette, profitant de son ami sur la sauce, qui a été interprété comme une allusion à la Lazarillo traditionnelle, ressources largement utilisé dans la littérature espagnol.
Lumière produit un contraste avec l'ombre provoquée par l'arbre, mais elle ne se remplit pas l'espace de l'image. Naturaliste et expressive, cette boîte possède toutes les caractéristiques des conseils Goya.
Contexte
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « El bebedor » (voir la liste des auteurs).
Sources
[modifier | modifier le code][[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
269 × 396 cm |
| Localisation |
Le mariage (1792) est une peinture par Francisco de Goya conservée dans le Museo del Prado et appartient à la quatrième série de cartons de tapisseries (menée entre 1788 et 1792) qui a préparé la Fabrique Royale de Tapisserie de Santa Barbara et était destiné à décoration armoire Carlos IV du monastère de El Escorial.
Analyse
[modifier | modifier le code]Sujets abordés dans cette dernière série de dessins animés satiriques nuances adoptées, probablement dus au contact avec Goya milieux éclairés de la cour, bien que les commissions royales continuent à prescrire principalement représenter les aspects pittoresques de la société espagnole de son temps. Dans les cartons récents divertissement, jeux et célébrations en plein air apparaissent, souvent mené par les jeunes, comme des échasses, ou les garçons (Les gigantillas). Les nuances satiriques de ces travaux sont présentés, par exemple, dans le barboteur, où les femmes mantean une poupée grotesque.
Le début de la déformation des visages caricaturés à imposer dans les gravures de modes passagères, en plus de la marionnette précitée, est perçue sur la face de cette marié de mariage, des lèvres pleines, potelé, très sombre et beaucoup plus vieux que la jeune fille se marie. Le sujet de la peinture est le mariage inégal et intérêts, tous deux intéressés par le drame de Leandro Fernández de Moratinos.
Remarques Bozal (2005) que le graphique montre la transition du rococo au néo-classicisme propre Goya, pas tellement intéressés à suivre les diktats de la saveur dominante à cette époque, Anton Rafael Mengs, mais un autre plus réaliste et critique de la société de son temps. Mais bientôt Goya romantisme a ouvert la voie à travers l'esthétique du Sublime et le Terrible était à craindre que la maladie a affecté peu de temps après l'exécution du mariage.
L'originalité de cette approche a été laissée morte dans l'évolution picturale de Goya, qui est observé dans la composition: une frise joyeuse procession de personnages (bien que beaucoup de ce qui pourrait être un rire moqueur ou satire) sous un arc défini par une structure architecturale solide pourrait être un pont, et encore a une présence étrange et son rôle dans ce contexte. Atténue la coloration ocre de la chaussée, la terre et les pierres de l'aménagement paysager pont rococo avait d'autres cartes, et le ciel bleu avec des nuages blancs gai, semble ici plutôt une ressource pour contraster avec sa vivacité manteau rouge le protagoniste.
Il a également été vu dans ce travail une allusion au mode de vie, de l'enfant qui lève les bras vers le haut dans le canyon, et pour ces deux raisons qui améliore sa présence, le vieil homme et le personnel de tricorne noir, à la fois statiques et spectateur, encadrant le reste de la marche à gauche et les chiffres de profil.
Contexte
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La boda » (voir la liste des auteurs).
Sources
[modifier | modifier le code][[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
259 × 220 cm |
| Localisation |
La Vaisselle (1779) est l'un des cartons de la Fabrique Royale de Tapisserie de Santa Barbara de Francisco de Goya et le décor a été conçu à manger Carlos IV, alors prince des Asturies.
Ce conseil, qui est situé dans le Museo del Prado sont deux tapisseries ont été conservés dans le Palais du Pardo palais, dit que les princes et El Escorial.
La photo a été au prix de six mille réel et a été estimée, en collaboration avec le pare-soleil (1777) comme le chef-d'œuvre de la période initiale de Goya Madrid.
Analyse
[modifier | modifier le code]Un premier échantillon qui Goya se décrit comme un Valence vaisselle de vente. Deux femmes et une femme âgée étalonnés sexe. Ces trois femmes sont sur, rester dans l'ombre vendeur. Celui de gauche femme âgée tenant un pan, qui rappelle que l'on trouve dans les travaux Christ dans la maison de Marthe et Marie, de Velázquez, Goya peintre qui admirait beaucoup.
Dans le fond commence son mouvement un chariot qui se déplace sur une dame qui contemplent diffuse à travers la porte en verre. Deux personnages, s'asseoir, regarder. Au loin quelques silhouettes et des blocs de bâtiments plus caractères peuvent être vus.
Une curiosité de cette image est le broyage de la position initiale de la roue arrière gauche du char, dont la circonférence est clairement vu vraiment vraiment peint les Aragonais.
Cette huile semble être style cohérent marques Goya, comme la présence conjointe de haut-caractères sur le flotteur et humble statut social, quincailliers premier plan, dans une scène de genre et le réglage de la lumière. Dans ce travail aussi évolue en vrac technique de peinture au pinceau et la présence de reflets brillants appliqués avec un couteau.
Comme une capture de mouvement de véhicule efficace, et surtout la figure de laquais se penchant en arrière en raison de l'inertie du coffre de la voiture est apprécié, effet souligné par Goya de fond d'architecture. Il est également maître notable impressionniste dans l'utilisation de "flou" avec la dame voyageant à l'intérieur de l'entraîneur et columbramos par la fenêtre est traitée.
Traitement couleur est très perceptible dans l'harmonie des teintes d'or de cuivre, gris et bleu que le ciel est traitée. Souligne le travail de la vie encore qui sont les marchandises des vendeurs de rue, dont les qualités tactiles (faïence, porcelaine, métaux, tissus) sont reflétés avec la main délicate.
Contexte
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « El cacharrero » (voir la liste des auteurs).
Sources
[modifier | modifier le code]- (es) Fiche sur InfoGoya.
- (es) Fiche sur www.artehistoria.jcyl.es.
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique | |
| Dimensions (H × L) |
127.3 × 94.3 cm |
| Localisation |
Carlos IV de rouge est un portrait de Francisco de Goya, faite pour le roi éponyme. Conservé dans le Museo del Prado, Madrid.
Analyse
[modifier | modifier le code]Elle a été faite pour le couronnement de Charles IV en 1789. Le nouveau roi aimait beaucoup les œuvres de Goya, et ainsi il a été nommé peintre de la cour. Le roi est représenté apathique et désintéressé. La fermeté des coups de pinceau rappelant Velázquez, comme portraitiste facette.
Contexte
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Carlos IV de rojo » (voir la liste des auteurs).
Sources
[modifier | modifier le code][[Catégorie:Portrait]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
Contexte
[modifier | modifier le code]Analyse
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Cartones de Goya » (voir la liste des auteurs).
Sources
[modifier | modifier le code][[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Óleo sobre tabla |
| Dimensions (H × L) |
46 × 73 cm |
| Localisation |
Madhouse, ou Bedlam, est huile sur panneau peint petit format Francisco de Goya entre 1812 et 1819 et représentant un asile d'aliénés où ils semblent différents dans des poses différentes.
Analyse de l'image
[modifier | modifier le code]Dans le cadre d'une architecture Piranèse et claustrophobe, dont la seule lumière à l'extérieur est une fenêtre grillagée haute, nature clairement répressive sont fous qui représentent différents personnages: une coiffe-wild-apparemment plumes sur la tête, l'autre avec tricorne un plus avec Tiare papale décision geste de bénédiction vers le spectateur, beaucoup d'autres nus... toutes les activités de grotesque et pathétique.
La question des installations psychiatriques était dans les rassemblements de l' Lumières espagnol, et cette boîte pourrait déposer une plainte de l'état contemporain de ces organismes de bienfaisance. Quoi qu'il en soit Goya toujours attiré par la représentation de la folie, déformation ou perversions. Il peut également être interprété comme clé allégorique, comme une galerie parodique des domaines emblématiques du pouvoir social: le clergé, militaire-là est un homme qui se bat nu et portant un chapeau de gendarme. La scène de développer le thème de « monde à l'envers "et porterait sur les photos de la bête.
Goya avait déjà abordé la question dans un autre tableau de 1793 intitulé Corral fou, mais maintenant la variété est plus grande, les personnages sont de moins en moins pittoresque fou, clairement caractérisé en tant que tel que de pauvres victimes de la marginalisation et de rejet. Il est de ces hommes qui peinent dans le début du XIXe siècle pour plus d'humanité et plus individualisé.
Contexte
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Casa de locos » (voir la liste des auteurs).
Sources
[modifier | modifier le code]- (es) Fiche sur www.artehistoria.jcyl.es.
- (es) Fiche sur InfoGoya.
[[Catégorie:Scène de genre]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
112 × 179 cm |
| Localisation |
Chasse à l'arc demande une photo de Francisco de Goya première série de des dessins animés pour les tapisseries. Fabriqué en 1775, a été remis à la Fabrique Royale de Tapisserie de Santa Barbara le 25 mai de cette année.
En accord avec les goûts de Prince des Asturies, Carlos de Borbón. Comme héritier de la couronne a ajouté questions de chasse et de pêche, ses plus grandes passions héritées de son père, le roi Carlos III.[1]
Son emplacement d'origine était la salle à manger des princes des Asturies dans le palais Pardo, mais finalement allé au sous-sol de la Palais Royal de Madrid. En 1870, il a été découvert avec d'autres cartons par Gregorio Villaamil croisade et a été livré à la Musée du Prado, où il demeure aujourd'hui. Son numéro de catalogue est 2856 et est exposée dans la salle 90.
Analyse
[modifier | modifier le code]Comme tous les tableaux dans la première série de dessins animés est simple et sans une toile couleur wide gamut. Il est possible que cela est dû aux exigences des tisserands, qui a demandé un métier à tisser en carton simple, gérer habilement. Sur la toile on peut le voir chasser siège d'une revendication, deux oiseaux enfermés dans leur cage, un chien et un réseau qui encadre l'ensemble.
Très probablement, il est le fait que Goya a été intéressé par leur année junior par la faune, qui a ici représenté précisément. La chouette semble copié à partir d'une étude de la dessiccation. Il est semblable à la chouette, qui des années plus tard Goya utilisé ses dessins comme un symbole du mal.
Tourmenté de style Bayeu, était destiné à sobreventana et votre partenaire est connu comme les chiens et les outils de chasse, et scie aragonais 2.500 reais par la peinture.
C'est un style approfondie et détaillée qui a traditionnellement été vu depuis le bas vers le haut en raison de son emplacement. Il est caractéristique des oeuvres de Goya et suit fidèlement les préceptes de Bayeu. Ciel et des arbres très claires caractéristiques de tous les cartons de Goya peut être observée.
Formes pyramidales simples sont appréciés et, finalement, le chien domine la composition. Les branches diagonales et arbres s'unissent une composition remarquable du point de vue du savant Janis Tomlinson.[2]
Il a probablement eu une bonne réception dans la famille royale, comme les directeurs d'usine permettent Goya cartons désormais peinture "son invention".[3]
Contexte
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Caza con reclamo » (voir la liste des auteurs).
- Triado Tur, p. 18.
- Tomlinson, p. 44.
- Glendinning, p. 36.
Sources
[modifier | modifier le code][[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
290 × 226 cm |
| Localisation |
Chasse de cailles ou de la partie est un tableau de Francisco de Goya appartenant à la première série de dessins animés pour les tapisseries, exécuté en 1775, dépeignant des scènes genre de jeu destiné aux hauts Princes des Asturies, le futur Charles IV et Marie-Louise de Parme, de El Escorial. Le travail est conservé et exposé dans la collection permanente du Museo del Prado.
Analyse de l'image
[modifier | modifier le code]La chasse de la caille est un carton destiné à servir de modèle pour une tapisserie qui devait décorer la salle à manger des Princes de El Escorial avec d'autres contenus dans différents formats, par exemple, les chiens de chasse ou votes cette année, Les chiens en laisse, sanglier chasse ou la chasse avec le hibou et rouge, tous de 1775. En cette première année de son travail en tant que peintre de la tapisserie destinée à la Manufacture royale des travaux de Goya était étroitement dirigé par son frère Francisco Bayeu, esquisse des traites sur qui a travaillé plus tard Goya. chasse cailles révèle dessinateurs judiciaires de style, en particulier celle de José del Castillo et le frère de Francisco, Ramon Bayeu.
Tableau des moments différents de la chasse apprécient caille. Tout d'abord, sur la droite, un chasseur apparaît avec son suivi de chien. Consécutivement, et à gauche un peu plus dans la prise est affichée pendant que le chien attend accroupi. Dans le fond, deux hommes et a laissé un parti de cavaliers et les chiens qui donnent portée aux barrages le long d'un chemin en diagonale vers la droite apparaît.
L'objectif de la plage de la composition est de donner l'unité thématique de chasse de cailles, représentant tous les moments typiques, c'est pittoresque. Mais la difficulté réside dans l'obtention l'interrelation des différents motifs représentés, qui dans cette image appartenant à la première série de tapisseries, Goya ne parvient pas à résoudre solvabilité. C'est parce que les pistes disponibles séparées par des groupes, ne pas créer de confusion entre les séries de chiffres, et ce au prix de l'isolement et de briser l'unité. D'autre part, l'image peut être comprise comme une série de vignettes représentant chronologiquement différents moments du jeu, mais Goya pas revenir en tête à opter pour ce type de fragmentation. Dans sa série plus tard atteint unifier toute la scène avec différents personnages, trouver des solutions de composition plus naturelles, comme on peut le voir seulement deux ans plus tard, en 1777 au Tour d'Andalousie, où le mouvement de la paire concerne les événements de chevaux sauvages moments peuvent survenir plus tard et avec les yeux de ceux qui l'entourent masqué et préfigurer conflit.
Contexte
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La caza de la codorniz » (voir la liste des auteurs).
Sources
[modifier | modifier le code][[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]