Una joven prometedora fundamenta su relato en el arraigo actual de la cultura de la violación y en la marca que puede suponer el trauma en las personas. Y pese a tratar temas de tanta dureza y complejidad, Fennell consigue realizar una película con garra, humor negro y un tratamiento visual mucho más luminoso e infantil de lo que se puede esperar inicialmente. Un choque visual que resulta tan impactante como atractivo, en el que el imaginario visual típico del videoclip actual resulta un contrapunto que aflora algún desajuste, en el que algunas escenas no acaban de encajar del todo en el relato y en el que la forma se pone por encima del mensaje, pero son errores menores que no han de hacer sombra a una película atrevida en su planteamiento y desarrollo. Alejándose de las tradiciones de estos films, en los que la protagonista es abusada y se desata una brutal venganza, en la presente historia el suceso se oculta como en una obra de suspense y las venganzas de la protagonista resultan menos sangrientas de lo esperado.

Al frente del film está una esplendida Carey Mulligan, quien sustenta sobre sus hombros todo el peso de la película interpretando a una mujer indignada, llena de ira, que arde en deseos de impartir justicia y que ha visto su vida estancada desde que sucedió un terrible hecho que la marcó inevitablemente. Con su mirada y sequedad, Mulligan consigue transmitir la furia contenida en su interior, pero que también es capaz de transformarse física y mentalmente para convertirse en una cazadora nocturna, mostrando una falsa embriaguez para que los hombres se acerquen a ella. La presa que engaña al cazador, para convertirlo en presa. Una transformación que sucede en los propios géneros que aborda el film, mezclando thriller, comedia romántica, drama y comedia negra.

La rotura de esquemas de Una joven prometedora y su voluntaria huida de la violencia más explícita consigue que la obra se abra a un público mayoritario y aprovecha esa oportunidad para tratar sucesos deleznables y sin embargo aceptados socialmente. ¿Es aceptable que no se condene el abuso de una mujer por como viste o como se ha comportado durante una noche de descontrol? ¿Se debe prejuzgar su personalidad y comportamiento por contenido publicado en sus redes sociales? ¿Hay que proteger ante todo a unos abusadores que se presentan como víctimas de falsas denuncias? No, no y no.

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El cine y la literatura nos han mostrado una y mil veces que pese una apariencia externa monstruosa, la belleza está en el interior de las personas. El drama de El hombre elefante. Faith Akin viene a ofrecer el contrapunto a esa premisa con esta producción alemana que escribe y dirige llamada El monstruo de St. Pauli. El film narra los crueles asesinatos cometidos por Fritz Honka en el Hamburgo de los años 70, una ciudad en la que la decadencia y el patetismo se abrían paso. Un constante carrusel de personajes demacrados, cargados de taras físicas y mentales, que sobreviven en los bordes de lo socialmente aceptado, se relacionan en lúgubres bares que pueden resultar atractivos y bohemios en la superficie para los ojos más entusiastas, pero que rápidamente muestran su mugre y putrefacción más absoluta. El protagonismo recae sobre Honka, interpretado por un caracterizado e irreconocible Jonas Dassler, un robusto hombre con malformaciones y aspecto dejado que vive en un apestoso ático. Sus obsesiones y frustraciones sexuales alcanzan su cota más elevada cuando se lleva alguna mujer a su piso, y allí, la destroza sin ningún tipo de miramiento. La acción no edulcora los hechos, los muestra de forma fría y distante, sin ningún tipo de juicio en el relato y con una obsesión enfermiza por recrear los sucesos reales acontecidos. Pocas veces se consigue de forma tan acertada que la mugre traspase la pantalla de tal manera que nos revuelva el estómago. Soez, sucia, desagradable y violenta, y pese a todo, un reflejo de una realidad existente, aunque no nos guste.

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Knife + Heart es el segundo largometraje de Yann Gonzalez, quien propone un thriller con aroma a slasher decorado de giallo en el que el autor referencia obras claves de Brian De Palma, William Friedkin, Dario Argento y Lucio Fulci. Producción francesa y mexicana capaz de proponer imágenes oníricas alucinógenas, maridadas con una banda sonora cargada de teclados y sintetizadores, pero que en su obsesión por el homenaje también cae en escenas que rozan la ridiculez. Vanessa Paradis está al frente del modesto reparto interpretando a Anne, una mujer de carácter conflictivo e histriónico que no cae en la caricatura, y que, gracias a ella, consigue sostener el peso de la trama y del propio film. Cine dentro del cine en clave LGTBI, combinación de múltiples géneros como el terror, el cine policiaco, el cine erótico y ciertos toques de humor en una historia ambientada en una época de liberación sexual previa al sida. La excusa del asesino vengativo para realizar un homenaje estético y sonoro a todo un movimiento cinematográfico en el que la forma se pone por delante del relato, provocando una trama de débiles pilares que avanza a trompicones. Con todo, Knife + Heart consigue mantener el suspense y funciona como ejercicio de estilo que busca reverenciar una forma de hacer y entender un género anclado en un momento y tiempos específicos, en los que el desparpajo y el riesgo autoral se abría paso en las pantallas de cine.

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Ben Young debuta en largometraje escribiendo y dirigiendo este intenso thriller basado en hechos reales, que pese alejarse de la brutalidad explícita, consigue crear momentos de tensión y recrea en un nuestras cabezas imágenes contundentes. Hounds of Love se engloba en el subgénero de cine de secuestros, en el que el protagonismo lo acapara el sufrimiento de la víctima, su indefensión, su obsesión por los detalles, sus fallidos intentos por escapar. El pulso firme de Young en la dirección mantiene una tensión que se prolonga a lo largo de todo el metraje y que reafirma las actuaciones de un valiente reparto. La narración se aleja de cualquier caricaturización de los malvados para conseguir un estudio de personajes que profundiza en la tóxica relación de la pareja que se dedica a realizar esos secuestros, y en el que el trasfondo del rol de la maternidad acompañando su tormento. Destaca por encima de todo el reparto la actuación de Emma Booth, recreando a una mujer dependiente dispuesta a saciar los brutales apetitos que demuestra su pareja. Cómplice, culpable, y sin embargo, frágil pese al salvajismo de sus actos. Mención especial a la extensa escena final en cámara lenta, un magnífico ejercicio de estilo que cierra el relato y consigue mantener la tensión al máximo hasta sus últimas consecuencias. Una ópera prima que vuelve a demostrar la gran salud del cine independiente australiano contemporáneo, y en especial, su vertiente enfocada al thriller.

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Black Coal es una producción de origen chino que sigue la estela del thriller nórdico más frío y seco. Diao Yinan escribe y dirige este neo-noir que no da concesión alguna. Sin ningún tipo de subrayado, con diálogos justos, constantes elipsis y huyendo de las premisas y estructura típicas del género, Yinan realiza un trabajo que genera el mismo interés que perplejidad al finalizar el metraje. El impecable tratamiento visual y sonoro en el que los neones típicos de cualquier ciudad de China se ven envueltos en un paisaje nevado e industrial, haciendo que todo resulte tan atractivo y llamativo, como distante y sucio. La propia trama del film relata una historia en la que no existen héroes y villanos, todos abarcan una infinita paleta de grises, el propia avance de la trama no sigue un relato claro y definido al que agarrarse y la resolución de la historia deja el mismo desasosiego al protagonista que al espectador que se acerca a la película. Además, no todo finaliza con la resolución del caso, la vida sigue, se han de cumplir con los protocolos y los procedimientos, y unos espectaculares fuegos artificiales venidos de la nada solo sirven para remarcar la necesidad de un final satisfactorio que ponga un lazo perfecto al conjunto, pero nada más lejos de la realidad. Black Coal disfraza su retrato de un país en plena conversión al capitalismo en un thriller tosco y distante, que sin embargo, encandiló al jurado del festival de Berlin, obteniendo el Oso de Oro a la mejor película y al mejor actor.

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